Étude des chefs-d'oeuvre
 

 Dirk Bouts ((1410-1475)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Claude Gellée dit Le Lorrain (1602-1682)

 

 

 

 

 

 

 

Pierro della Francesca

(1415-20_1482)

 

 

 

 

 

 

Vittore Carpaccio  (1465-1526)

 

 

 

 

 

 

 

Hans Holbein le Jeune 1497-1543

 

 

 

 

 

 

 

 

Lucas Cranach (1472-1553)

 

 

 

 

 

 

 

 

 Mathias Grünewald (1475-1528)

 

 

 

 

 

 

 

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

 

 

 

 

 

 

 

 

Raphaël (1483-1520)

 

 

 

 

 

 

 

 

Masaccio (1401-1429)

 

 

 

 

 

 

 

 

Caravage (1571-1610)

 

 

 

 

 

 

 

 

Pierre Bonnard (1867-1947)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

August Macke (1887-1914)

 

 

 

 

 

 

 

 

Joan Mitchell (1926-1992)

 

 

 

 

 

Johan Barthold Jongkind (1819-1892)

 

 

Adriaen Brouwer  (1605-1638)

 

 

 

 

 

 

Willem de Kooning (1904 1997)

 

 

 

 

 

 

 

Jan Vermeer de Delft (1632-1675)

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Edgar Degas  (1834-1917)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Marc Chagall (1889-1985)

 

 

 

 

 

 

 

Jackson Pollock (1912-1956)

 

 

 

 

 

 

Georges Grosz(1893-1959)

 

 

 

 

 

 

 

 

Thomas Lawrence

 

 

 

 

 

 

 

 

Raoul Dufy

 

 

 

 

 

 

 

 

Jean Baptiste Corot

 

 

 

 

 

 

 

Pierro Della Francesca

 

 

 

 

 

 

 

 

Gustav Klimt

 

 

 

 

 

 

Édouard Manet

 

 

 

 

 

 

Sandro Botticelli

 

 

 

 

 

 

 

Picasso

.

 

 

 

 Vélasquez

 

 

 

 

 Rembrandt

 

 

 

 

 

 

 

Rogier Van der Weyden

 

 

 

 

 

 

 La cène flamande de Dirk Bouts (1410-1475) Institution de l'Encharistie à l'origine de la messe

Nous sommes dans une belle salle gothique du XVe siècle, avec sa cheminée sculptée, ses arcs brisés, son dallage, son lustre flamand en cuivre et ses poutres: c'est le Cénacle. Jésus, assis au centre de la table carrée, prononce solennellement les mots de la consécration " ceci est mon corps, ceci est mon sang" Bouts a représenté  le pain consacré par le Christ comme une hostie" C'est l'institution de l'eucharistie à l'origine de la messe.Dans le plat en étain, un agneau rôti entouré de feuilles d'herbes amères comme le prescrit le livre de l'Exode. Cet agneau est une figure du Christ qui s'immole sur la croix

 

 

 

 

 

Vue d'un port de mer,effet de brume de Claude Lorrain(1602-1682)
Avec Rembrandt et Rubens, Claude Lorrain  est un des meilleurs dessinateurs de tous les temps.

"Il cherchait à saisir la nature par tous les moyens, allant à la campagne de l'aube jusqu'à minuit afin d'apprendre à y représenter de façon naturelle la naissance du jour, le coucher du soleil et les heures de la vie" écrit Sandrart son ami.Il utilise une variété de techniques dans ses croquis - plume, lavis brun, gris et rose, pierre noire, sanguine, rehauts de blanc; tous ses dessins suggèrent les caprices de la lumières, le mouvement dramatique de l'ombre, le velouté de l'air.Après avoir fait ses provisions d'images, quelquefois en compagnie de Nicolas Poussin, cet autre romain, Le Lorrain rentrait à l'atelier pour y élaborer lentement les grandes toiles peintes.

 

 

L'histoire de la croix par Pierro della Francesca

"Pierro della Francesca est certainement l’un des peintres le plus important du Quattrocento italien.L'histoire de la croix,  peinte dans le choeur  d'Arezzo, reste parmi les plus grandes réalisations picturales de tous les temps". (Marco Valsecchi).

 

 

Le miracle de la Ste Croix par Vittore Carpaccio

Dans ce  tableau Vittore Carpaccio  décrit l'animation qui se déroule sur le  pont du Rialto . Les marchands vénitiens, chrétiens, juifs, musulmans grecs et Arméniens se coudoient sur les quais encombrés, marchandant les riches cargaisons venues d'Orient. Ces riches négociants  et visiteurs vêtus de brocart, couvertes de pierreries drapés de soie cramoisie, orné d'emblèmes dorés portent des vêtements ornés d’arabesques, qui ont  ont inspiré Marcel Proust qu'il relate dans sa correspondance adressée à Maria Mandrazzo  tante par alliance du couturier  Fortuny  dont  Carpaccio a fourni les modèles de robes  portés par son héroïne Albertine

 

 

 

Portrait de  Charles de Solier, Sieur de Morette par Hans Holbein

un véritable chef-d’oeuvre du genre verra le jour:Charles de Solier, Sieur de Morette   était chambellan et conseiller auprès du roi de France François 1er. ll était apprécié tant comme diplomate que comme général, et fut envoyé comme ambassadeur en Angleterre; il posa pour Holbein. . Le visage ridé est intelligent. Chaque poil de la barbe et chaque poil du col de castor, chaque maillon de la chaîne en or, le moindre élément de son poignard ciselé et d’innombrables détails encore sont visiblement saisis avec un amour incomparable pour la matérialité et la texture des différentes surfaces, rappelant la peinture néerlandaise Sa rigueur, son objectivité pénétrante, alliées à un sens très sûr de la vie, font de lui l’un des plus grands, portraitiste de tous les temps On le surnomma le Raphaël du Nord

 

Le retable du martyre de Sainte Catherine de Lucas Cranach

Cette oeuvre fut exécutée d'après une gravure de Dürer Catherine d’Alexandrie, issue d’une famille noble, était renommée pour ses connaissances, son intelligence et sa beauté ; elle soutint victorieusement une dispute contre cinquante philosophes chargés par l’empereur  Maxence de lui démontrer l’inanité de la foi chrétienne. Furieux, ce dernier fit brûler  vifs ces philosophes et condamna Catherine à être déchirée par une roue garnie de pointes. Le feu céleste détruisit miraculeusement l’instrument de son supplice et Catherine mourut décapitée. Ainsi, devint- elle la patronne des philosophes.

Sur le plan pictural cette oeuvre marque un changement brutal de style qui reste jusqu’à présent un mystère d’autant plus mystérieux que ses œuvres antérieures donnaient l’impression d’une forte personnalité. De plus, certains historiens de l’art voient dans cette rupture le début de la décadence qui va s’accentuant après 1525 alors que d’autres jugent la production des années 1505 à 1525 d’égale valeur, quoique très différente de celle des années viennoises, et l’incontestable qualité de certaines œuvres, comme la Madone de la cathédrale de WrocLaw (env. 1510) ou le Portrait de jeune fille du Louvre, leur donne raison. La seule explication du changement de 1505 que l’on puisse avancer semble une réceptivité excessive aux sollicitations du milieu, milieu de formation artistique médiocre, qui a entraîné également la décadence finale.(Universalis)

Le retable d'Issenheim de Mathias Grünewald   exposé au musée d'Unterlinden  Colmar

Matthias Grünewald ( 1475 -1528 ) est sans doute l'un des artistes les plus importants de l'histoire de l'art allemand.; "Ce retable d'Isenheim  fascine et envoûte ceux qui l'ont contemplé au travers de l'histoire écrit un critique d'art;"   "La technique éblouissante utilisée dans l'expressivité hallucinée des personnages, et par l'emploi et la richesse des couleurs, en font une oeuvre totalement exceptionnelle de l'histoire mondiale de la peinture. Il faut  également souligner les innovations de Grünewald notamment dans l'utilisation par exemple du soulignage des contours, les limites des formes marquées par des traits noirs, l'accentuation des ombres et des textures, et surtout la richesse de l'exploitation des couleurs. c'est l' oeuvre d'un grand artiste de la Renaissance germanique.

 

 

La bataille d'Issos d'Albrecht  Altdorfer (1480-1538) 

C'est la peinture la plus célèbre d'Altdorfer La commande lui fut confiée par le Duc de Bavière Son sujet est la victoire de jeune Alexandre le Grand en 333 av. J.-C sur l'armée Persane conduite par le Roi Darius dans la bataille d'Issos. La bataille a en fait eu lieu en Turquie, cependant, Altdorfer a peint  cette bataille  sur les pourtours de la méditerranée avec Chypre et l'Égypte traversée par le Nil. tandis que le ciel et le soleil macédonien s'oppose au croissant de lune semblant offrir une métaphore cosmique  de ce conflit entre ses deux mondes.

 

 

 

Le couronnement de la vierge Marie

Le retable combine deux scènes communes dans l'iconographie du Quattrocento : le Couronnement (qui occupe la partie supérieure de l'image) et l'Octroi de fleurs de lys et de roses sur la tombe de la vierge (dans la partie inférieure), un épisode traditionnellement associée à l'assomption . Les deux scènes restent séparées de l'une et de l'autre  dans la première partie la vierge Marie incline la tête,baisse les yeux et joint les mains en une attitude de soumission et de prière Cette cérémonie du couronnement est célébrée par Jésus seul. Dans la seconde partie se trouve le tombeau vide de la vierge dont la disparition est représentée par des fleurs de Lys et de roses. Les apôtres sont réunis autour du cercueil vide.

 

 

Le tribut de monnaie face au collecteur d'impôt de Masaccio
Une  mise en relief de cette scène de l'évangile célèbre : "rendez à César ce qui est à César et à Dieu ce qui est à Dieu" Comment le Christ résout ce manque d'argent pour payer son obole au collecteur d'impôt; Cette épisode est une des fresques  de la Chapelle de Brancacci à Florence. L'apparition du relief qui se dégage de cette fresque est le fruit d'une spéculation théorique fondée sur le désir d'appliquer à la peinture des idées neuves sur la figuration perspective qui établit un lien entre le nom de Masaccio et ceux de l'architecte  Brunelleschi et du sculpteur  Donatello. Tous les trois créeront le style"Renaissance".

 

Le Saint Jérôme du monastère de Montserrat 1605 ,Jérôme de la galerie Borghèse à Rome 1606,Le Saint Jérôme exécuté à Malte (musée de la cathédrale St Jean -la Valette -Malte 1607

. Saint Jérôme avait acquis une importance au moment de la Contre-Réforme, parce que c’est à lui que l’on  devait, la traduction de la Vulgate en latin des Saintes Ecritures  Jérôme avait été baptisé par un pape qui lui avait donné pour tâche de traduire parmi d'autres et nomma St Pierre premier évêque de Rome. Parmi les distingués latinistes de l'Église il fut un allié puissant contre des hérétiques modernes, qui attaquaient le culte des saints; il limita l'utilisation de latin aux érudits et porta une jugement sévère sur le système jugé comme  idolâtre   de Babylone. Caravage fit  3 tableaux: celui de Monserrat appartient à la même période que la madone des palefreniers fin 1605; Le St Jérôme dela galerie Borghèse à Rome fut commandé par le cardinal Botghèse en 1606, le troisière  du musée de la cathédrale St Jean à Lavalette (Malte) fut exécuté au cours de son voyage à Malte à la demande du Génois Ottavio Costa. Ce tableau porte les armes de Malaspina

Vernon de Pierre Bonnard (1867-1947)

Pierre Bonnard est un des peintres les plus importants de la première moitié du XXe siècle et l’un des plus grands coloristes de la peinture occidentale . Après avoir été l’un des principaux représentants du nabisme, il évolue vite vers une peinture très personnelle.Il traduit avec bonheur l’atmosphère chaude et feutrée des scènes intimiste. , il crée peu à peu un univers enchanté de jeunes femmes resplendissantes, de paysages inondés de soleil, de bouquets et de fruits miraculeusement préservés des atteintes du temps. Il suit les bouleversements qui affectent le domaine des arts dans les trente premières années du siècle – fauvisme, cubisme, surréalisme – mais s’en tient à l’écart. son œuvre. Il s’affranchit graduellement de la réalité et parvient à exprimer l’espace par la seule juxtaposition des tons. son apport fondamental à l’élaboration du langage figuratif de notre temps réside dans l’exploration méthodique des ressources de la gamme chromatique, le refus de la perspective traditionnelle et l’affirmation du caractère bidimensionnel de l’espace pictural.

 

 

La dame en veste verte d'August Macke (1887-1914)

Le peintre allemand August Macke fit partie du groupe Der blaue Reiter (le Cavalier bleu) fondé en 1914 par Kandinsky et par Franz Marc.Mobilisé aux premières heures de la guerre, Macke tombera  quelques semaines plus tard.Macke disparaît trop tôt pour que l’on puisse saisir la portée réelle de sa peinture. En l’espace de six ans, il avait assimilé les acquis du cubisme, du futurisme et des tendances artistiques les plus avancées

La dame en  veste verte  couvre la courte période de fauve(1911); Macke  élabore une grammaire plastique fondée sur la valeur émotive de la couleur et sur l’analyse de l’objet figuratif accomplie par les cubistes

 

 

Recherche d'une épingle de Joan Mitchell(1926-1992)

s'ouvre vers la recherche du beau sur les traces  de son poète inspirateur William Wordsworth Ce tableau dans la tête de Joan Mitchell est un hymne à la poésie « J’étais déchirée », dira-t-elle dans un entretien accordé en 1982 à Suzanne Pagé et Béatrice Parent, « car je faisais aussi de la poésie et vers onze ans j’ai dû choisir ». Superbe dans sa construction; Joan Mitchell nous conduit vers des chemins ouverts à de nouvelles possibilités d'expression artistiques. La recherche de la nature et le besoin de liberté sont deux des chemins qui la conduisent  comme fut conduit le poète Wordworth qu'elle admirait tant qui goûta et participa aux libertés déclarées par la révolution française;

 

Paysage de Delft -Hollande DE Johan Barthold Jongkind  (1819-1892)

. En 1871, Edmond de Goncourt écrit dans son Journal : « Tout le paysage qui a une valeur à l’heure qu’il est descend de ce peintre et  lui emprunte ses ciels, ses atmosphères, ses terrains. »Jongkind apparaît comme le précurseur direct de l'impressionnismeSes tableaux entièrement soumis à l'impression qui fragmente la touche et suggère la forme sans vouloir la définir.

 

Les fumeurs d'Adriaen Brouwer

Huile sur bois 46,4X36,8 cm- MOMA New York

Ce tableau de fumeurs joyeux  évoque  l’expérience personnelle de l’artiste bien connu pour avoir été un grand amateur de tabac.Adriaen Brouwer s'attache particulèrement à rendre les expressions des visages et les gestes des personnages en ce qu'ils ont de plus caractéristique au moment d'un joyeux festins  ou  gueuserie.L'intérêt exclusif que Brouwer porte à ce genre de sujets s'explique certainement par ses origines flamandes. La manière de présenter les figures en gros plan  et par groupes compacts et les coloris chatoyant de bruns  et de couleurs orangées comme la présence de nombreux objets viennent le confirmer. Les 16 tableaux de Brouwer qui figuraient dans l'inventaire de la collection de Rubens témoignent l'admiration que ce dernier portait à l'art de son cadet inégalable dans le rendu de la force et de la profondeur des passions humaines.

 

 

Femme de Willem de Kooning

la force dominante de la peinture américaine des années 50

Willem de Kooning New yorkais importé de Hollande avait franchi l'Océan atlantique en 1926 et devint l'un des expressionnistes abstraits les plus originaux, un véritable géant de "l'action painting"; son oeuvre femme (1949) est empreinte de surréalisme. L'élégance de ce tableau dans la pure tradition expressionniste abstrait  conféra à De Kooning le titre de peintre expressionniste le plus prestigieux  de l'art américain  des années 1950

 

La vue Delft

Huile sur toile 98X117 cm --La Haye Mauritshuis

La vue de Delft est le paysage urbain le plus réputé de  l'art hollandais du XVII e siècle La luminosité,   son ciel nuageux majestueux et les reflets subtils se mirant dans l'eau  contribuent à ravir le  spectateur.Tout est calme et volupté. Les bateaux sont amarrés les voiles baissées. Une brise douce trouble la surface de l'eau. Les passants conversent. Les arbres sont  couverts de feuillage,  C'est le matin d'un jour printanier;  le soleil est à l'est. Il n'y a pas beaucoup de peintures qui exprime  l'authenticité d'une journée; C'est le spectacle que voit l'habitant de Delft à sa fenêtre; ,il y a 350 ans

 

 

La laitière

Huile sur toile 45X41cm- Amsterdam Rijksmuseum

 

De Nombreux experts considèrent ce tableau comme le mieux réussi de toute l'oeuvre de Vermeer.  Il propose son univers et cet univers est poésie.Sa vision est concentrée sur  la laitière que Vermeer exécute  dans une technique robuste, conformément à l'image qu'il veut projeter. La palette est presque réduite à trois couleurs, le jaune du corsage, le bleu du tablier, l'ocre rouge  de la cruche et de la jatte audacieusement lié au bleu  qui accroît son éclat Les valeurs d'ombre sont remplacées par une modulation de la couleur ou par la pose de couleurs  auprès de nuances mises en valeur; ainsi les tons bruns ou vert posés auprès d'un jaune, un bleu sombre placé auprès d'un bleu clair délimitent les formes des objets.En 1888, Vincent Van Gogh écrivit à Emile Bernard " On peut trouver dans ce tableau de la laitière l'échelle complète des couleurs. Son emploi du jaune citron, du bleu pâle et du léger gris caractérise Vermeer comme le noir, le gris et le rose caractérise le travail de Vélasquez"

 

 

L'ECOLE DE DANSE D'EDGAR DEGAS  1874

 huile sur toile   dimension 65 x 81 cm)  Musée d'Orsay, Paris

C'est un saut de grenouille aux mares de Cythère

"Elle danse en mourant, comme autour d’un roseau, D’une flûte où le vent triste de Weber joue Le ruban de ses pas s’entortille et se noue, Son corps s’affaisse et tombe en un geste d’oiseau. Sifflent les violons. Fraîche, du bleu de l’eau, Silvana vient, et là, curieuse, s’ébroue. Le bonheur de revivre et l’amour pur se joue Sur ses yeux, sur ses seins, sur tout l’être nouveau, Et ses pieds de satin brodent, comme l’aiguille, Des dessins de plaisir. La capricante fille  Use mes pauvres yeux, à la suivre peinant. Mais d’un signe toujours cesse le beau mystère Elle retire trop les jambes en sautant  C'est un saut de grenouille aux mares de Cythère" (Edgar Degas)

 

 

 

Le Juif en prière (1914)

dimension : 116,5 X 89 cm The Art Institute, Chicago

 

Ce tableau fut exécuté en 1914, 2 ans avant qu'éclatât la révolution russe ..A Vitebsk,Chagall se mit à peindre les scènes et les gens qui l’entouraient... sa famille et les habitants de la ville. Ce personnage en prière  peint d'après nature est  l'un des mieux équilibré de son oeuvre . A Paris où il vécut dès 1922, puis à New York, en 1941, et de nouveau en France en 1947,il  ne pouvait compter que sur ses souvenirs pour représenter sa ville natale.

 

Poteaux bleus et Number 32

Comment expliquer la position des tableaux de Jackson Pollock au top du hit parade  de tous les temps! 140 millions de $! Le  record jamais atteint depuis. Ses tableaux poteaux bleus et number32 exposés ci-devant indiquent clairement  la réalisation d'une des entreprises picturales les plus importantes du XXe siècle. Pollock a su structurer un espace par des moyens figuratifs mis en œuvre par ses aînés Picasso et Miro qu'il admirait. Ses coups de pinceau donnèrent alors forme à la violence pour la transformer subtilement en une  "écriture" non figuratives qui devait le distinguer de tous les autres peintres pionniers de l'expressionnisme abstrait. Il se frayait un chemin vers des espaces qui n'avaient jusque là aucune base dans l'expérience conventionnelle et inventait  une nouvelle technique et de nouveaux matériaux pour satisfaire ses visions d'un langage inédit.

 

GROSZ GEORGE (1893-1959)                    Cafe haus

"Un artiste qui s'entend si bien à reproduire son temps que sa propre image devient pour les époques suivantes celle du monde d'hier, n'est pas seulement un élément intéressant de cette époque, mais précisément un fabricant d'histoire, un fabricant du présent même;: un homme qui mérite d'être distingué comme une figure (Gunther Anders). Gunther Anders poursuit L'époque à laquelle ces oeuvres apparurent était celle de la ruine de l'Allemagne

 

 

 

 

La Princesse de Lieven par THOMAS LAWRENCE (1769-1830)

« Je ferais peindre ma femme par Philipps, mais pour ma maîtresse, je choisirais Lawrence ».dit un jour le poète Rogers; Lawrence embellissait sans vergogne les femmes dont il faisait le portrait, lui permettant ainsi de jouir d'une énorme réputation dans l'Europe entière. Brillant exécutant, il sait donner de la vie aux femmes qu'il peint; L'éclat des yeux, les bouches entr'ouvertes sont rendus avec beaucoup de talent par Lawrence

 

 

 

 

 

 

Régate à Henley de RAOUL DUFY (1877-1953)

RAOUL DUFY est un des maîtres de l’art français contemporain. Le chemin qu’il a parcouru, depuis ses débuts jusqu’à la veille de sa mort, ne laisse dans l’ombre aucune des particularités d’un style que nous voyons se former sous nos yeux puis s’épanouir dans la maîtrise. On y pourra constater notamment que ce grand jnventeur de signes plastiques fut également le brillant chroniqueur, optimiste et charmant, d’une époque à l’élégance de laquelle il contribua par ses multiples créations dans le domaine de la mode et des arts décoratifs.  (Le texte est dû à Maximilien Gauthier, critiqué d’art des Nouvelles Littéraires, auteur, sur l’art ancien et l’art moderne)

 

 

 

 

La Cathédrale de Mantes de JEAN BAPTISTE COROT

Jean Baptiste Corot et Eugène Delacroix ont été considérés justement comme les deux plus grands peintres du XIXe siècle.Paysagiste, portraitiste, C'est le spectacle de la nature qui lui fournit ses plus grandes impressions. A l'âge de 74 ans, en 1870, il disait que certains artistes, après avoir produit des chefs-d'oeuvre, reçu des récompenses et être pravenus au faîte des honneurs, s'arrêtaient de peindre pour conserver leur  cote gagnée et éviter de subir une rétrogradation de la valeur de leurs oeuvres. < Eh bien! ajoutait-il, on dira peut-être que Corot "baisse"; Tant pis, il faut montrer à la jeunesse comment il faut s'accrocher et se tenir sur ses gardes pour ne pas tomber..> et Corot ne tomba pas (Jean Dieterle)

 

 

 

histoire de la croix: l'invention et l'épreuve de la vraie  croix 706X747

l'exaltation de la croix 390X747-

Arezzo Eglise St François

"Pierro della Francesca est certainement l’un des peintres le plus important du Quattrocento italien. Né à Borgo San Sepolcro  vers 1415-1420, il travailla d’abord Florence et  dans sa ville  natale. Mais sa grande œuvre consiste dans l’extraordinaire série des fresques  de l’Église Saint-François à Arezzo.Il subit, dans sa jeunesse, l'influence siennoise de Pietro Lorenzetti et plus fortement encore l’influence florentine de Masaccio. Mais sa puissante originalité s’est manifestée dès ses premières œuvres par  une conception particulière de l’espace et de la perspective, par la simplification et le  dépouillement  des formes  par sa  science à réduire les représentations en volumes: d'où il résulte un art hautement emprunt de noblesse et de spiritualité. L'histoire de la croix,  peinte dans le choeur  d'Arezzo, reste parmi les plus grandes réalisations picturales de tous les temps". (Marco Valsecchi)

Klimt friseBeethoven

Die Jugendstil Bewegung wurde in Österreich Sezession genannt. Gustav Klimt war ihr Begründer und Präsident von 1897 bis 1905. Sein Gemälde Der Kuss ist das weithin bekannte Symbol des Wiener Sezessionismus.Gustav Klimt gestaltete den berühmten Beethovenfries für die XIV. Ausstellung der Vereinigung bildender Künstler Österreichs Secession, die vom 15. April bis 27. Juni 1902 stattfand.

mesure 34,14 mètres de long est construite en 3 temps;s : la partie centrale mesure 6,30 mètres et les deux panneaux de gauche et de droite mesurent 13,92 mètres chacun.

 

 

Nana Le modèle d'un roman naturaliste

154X115cm -Kunstalle d'Hambourg

Ce tableau montre l'extraordinaire appareil sensoriel et l' extraordinaire appareil d'exécution d'Édouard Manet. " L'oeil, la main, disait-il à Mallarmé. Son tableau Nana définit ces deux qualités où la perception du climat dans lequel se meut Nana obtenue par son exécution se ressent;  Cette courtisane charnue qui se pomponne devant un miroir  sous le regard  de son courtisan protecteur  exprime  la sensualité; elle est d'autant plus perceptible qu'elle est mise en valeur par le doux et chaud  décor où se marient les  bleus pastels savamment disposés aux teintes  d'or et orangées.  Ce monsieur barbu et moustachu tenant avec autorité le pommeau de sa canne est impatient et en alerte devant cette succulente beauté. Cette forme de composition correspond à ce que concevaient les écrivains naturalistes lorsqu'ils parlaient de "tranches de vie".

 

La Primavera    LE VENT DE LA PASSION

203X314cm - galerie Uffizi (Florence)

On a tenté de traduire en significations  la Primavera de sandro Botticelli Les uns le rattachant au folklore de la mort, voyant dans la figure du centre non pas Vénus mais la Reine de Mai, d'autres on voulu voir dans la figure du premier plan le souvenir de la belle Simonetta, amante de Julien de Médicis, frère cadet de Laurent morte un an auparavant, d'autres en ont fait la transposition des fêtes du printemps florentin; On pourrait y ajouter une interprétation inédite qui en fait un horoscope pour adolescent.Le tableau rappelle étrangement les calendriers illustrés de l'époque.Quoiqu'il en soit ce tableau est d'une richesse exceptionnelle qui témoigne l'esprit, le climat et le parfum de son temps.

 

Guernica 1937 800X350cm                 UN TRABAJO VIOLENTO Y SIMBÓLICO

< la guerra de España es la batalla de la reacción contra la gente, contra la libertad. La vida de "Todo mi" artista era sólo una lucha continua contra la reacción y la muerte del arte. En la trampa sobre la cual trabajo y que llamaré 'Guernica' y en todos mis trabajos recientes, expreso claramente mi horror de la casta militar que hizo de España un fregadero en un océano de dolor y la muerte. > Picasso adopta una postura inmediatamente contra el general franco y se pone en fila al lado de los Republicanos en 1936. Trastornado, sobresaltado, Picasso arrojo su cólera sobre un paño 8 metros de largo y 3mètre 50 de ancho, que comprende 45 dibujos preliminares entre las cuales la mayoria son de color. Los elementos simbólicos parecen desde el principio bosquejos: el toro, el caballo, el portador de luz: el toro expresa la brutalidad, el caballo puebla.

Les menines 1656 318X276cm Une tranche de vie à la cour d'Espagne

Attaché à la cour de Philippe IV, Vélasquez (1599-1660)  fut  incontestablement le plus grand maître du XVIIe siècle. Son tableau " les menines" traite une scène d'intérieur de la cour d'Espagne. Vélasquez n'a pas seulement reproduit avec exactitude des personnages, mais encore la pièce de l'appartement royal. Il met en scène non seulement les demoiselles d'honneur et les bouffons mais fait son propre portrait qui regarde  un modèle invisible, le Roi et la Reine, dont les portraits apparaissent dans un miroir.  Son style trouve sa force dans une touche énergique qui associe des glacis subtils à de forts empâtements, et dans des audaces de coloris et de composition qui donnent à ce chef- d'oeuvre une plénitude remarquable.

 

 

L'audace de Rembrandt trouve son terme dans la ronde de nuit sa première imprudence. En effet le célèbre peintre se livre à sa fantaisie et oublie de satisfaire les justes désirs de ses clients membres de la compagnie civile de la milice des arquebusiers d'Amsterdam.Pour quelles raisons ? Est ce un acte fantaisiste ou au contraire une attitude délibérée?On a d'abord donné au 19ème siècle à ce tableau un  titre incorrect :  la ronde de nuit  alors qu'un croquis de l'époque  indiquait"croquis de la peinture du grand Hall de Cleveniers Doelen . Pourquoi avoir changé le titre? On remarque ensuite  que le peintre  porte  son éclairage  sur3 personnages: la fillette naine tenant à la taille un coq plumé et sur les 2 principaux membres de cette compagnie , le capitaine Cocq et son lieutenant, laissant dans la pénombre les autres membres. Il joue sur le mot coq et réalise d'autres "calembours visuels"; A-t-il voulu brocarder le capitaine dont on a dit qu'il entretenait une amitié intime avec l'officier à ses côtés? Enfin a-t-il voulu se moquer des ridicules de cette compagnie de miliciens mise en état de marche alors que certains d'entre eux vont à contresens ? Ce sont des mystères qui ont intrigué de nombreux critiques d'art.

 

La descente de la croix de Rogier Van der Weyden 1443
Oeuvre grandiose chef-d'oeuvre de la sensibilité de tous les temps

Oeuvre grandiose par l'intensité de l'expression, la vie, la puissance et l'ampleur de ses personnages . Sans contexte le chef-d'oeuvre de Rogier Van der Weyden C’est vers 1430-1435, alors qu’il s’émancipe de son maître Jean Campin, que Van der Weyden travaille à sa première composition importante, La Descente de Croix du Prado. Ce morceau de bravoure, commandé par le Serment des arbalétriers de Louvain, était destiné à orner le maître-autel de leur chapelle dans laquelle était vénérée depuis 1365 une Vierge de douleurs. Ainsi s’explique sans doute l’imbrication étroite du thème eucharistique – le sacrifice du Christ – avec celui de la souffrance de Marie. Cette « compassion » trouve à s’exprimer visuellement dans une remarquable consonance formelle et psychologique entre le corps sans vie du Christ et celui de sa mère en pâmoison.